CriticSociety- film reviews

Review

The Burning Plain

Director

Guillermo Arriaga

Year

2008

Rating

Reviewed by

Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Friday, August 13, 2010

La magia del escribir de Guillermo Arriaga es que encuentra impacto en los mínimos detalles. Sus historias típicamente giran en torno a eventos tremendos, como accidentes y muertes, pero no es tanto lo que sucede, sino las causas y consecuencias de ello, lo que le fascina y le obliga a llenar sus escritos de emociones imperceptibles para quien poco observa, pero desbordantes para quien las vive. Y nos hace vivirlas.

Hemos visto en sus películas anteriores, al menos en las más famosas, una serie de historias entrelazadas, unidas sólo por un magno evento, pero similares en naturaleza y sensibilidad. En esta ocasión nos presenta algo parecido, aunque de hilos narrativos vinculados más íntimamente y por ende más fáciles de conjuntar para el espectador. Se puede dar incluso el caso de deducir a tal grado las uniones de las historias que se adivine el final de cada una. Esto arriesga al impacto de la película, y en mi caso lo disminuyó, pero en ningún momento me dejó de interesar cómo ocurriría cada cosa y sobre todo cómo lo vivirían los personajes.

Fue ésta quizá la intención de Arriaga. Tal vez no le interesó tanto mantenernos a oscuras al respecto de las identidades de ciertos personajes, el porqué de sus comportamientos o las épocas en que cada historia está situada, sino adentrarnos tanto en la experiencia de los caracteres centrales que pudiéramos compartir su vivencia hasta un punto en que ya no nos importara nada más que verlos conseguir sus respectivas catarsis.

En la historia de una mujer con clara tendencia a la autoflagelación, Charlize Theron encuentra un perfecto escenario para demostrar una vez más todo el dolor que es capaz de transmitir, a la vez que su personaje aparenta con gran maestría no tener ningún problema. Como director, Arriaga consigue que el espectador sea el único capaz de ver más allá del engaño, sin que eso delate a esta hermosa y solitaria mujer. Mientras tanto, o, digamos, de forma intercalada, otra mujer vive un intenso sufrimiento: en una de sus mejores actuaciones, Kim Basinger encarna el tormento de encontrar el paraíso y verlo atado a un nuevo infierno que es incapaz de evadir. Por último, o, de nuevo, paralelamente, una adolescente, encarnada por Jennifer Lawrence, vive un dolor que no puede compartir con nadie, y lo lleva hasta un punto sin retorno. Su personaje vive diversas facetas y Lawrence sorprende en todo momento.

Si bien la producción es intacta, encontré la película un poco lenta a ratos, quizá en parte por lo predecible de la historia, aunque cada vez volví a sumergirme en el drama de los diferentes personajes. A cada paso hay escenas que podrían parecer triviales pero son de altísima importancia. Por ende, las que son de innegable impacto, como la del reencuentro entre dos mujeres, ven su efecto multiplicado hasta hacer las lágrimas del público brotar. En esa escena, ocurrida en un cuarto de hotel, descubrí que lo que Arriaga nos presenta no es el drama de sus personajes, sino el de nosotros mismos, el de todos nosotros.

Entrando en un tema más específico, lo advierto, aunque siempre recomiendo no leer mis críticas si no se ha visto la película, he de mencionar que me parece que la historia de Fuego, como se le tituló en México, es una brillante alegoría del cáncer. Esta enfermedad lleva a un personaje, víctima de rechazo, a hacer lo que jamás imaginó, y eso provoca fatales consecuencias que marcan muchas vidas, una en particular, que entonces se “contagia” y lleva su mal hasta la siguiente generación. Como un cáncer imparable, que se apodera de más y más órganos del cuerpo, llega hasta un lugar y un momento insospechados, y sólo se detiene, o puede detenerse, a raíz de una acción decisiva. Esto se representa en la máxima escena catártica, la entrada de una mujer a una habitación de hospital, que significa un cambio, un nuevo reto y una decisión, si bien tardía, de atacar la enfermedad, sin importar de entrada si se logrará erradicarla.

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Review

Blow-Up

Director

Michelangelo Antonioni

Year

1966

Rating

Reviewed by

Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Wednesday, August 11, 2010

Lo primero que recuerdo de esta película es la perdurable fascinación que le provocó a mi papá, quien me la mencionó varias veces desde mi infancia, no como algo que recomendaba, sino más bien como un evento relevante de su vida. Cuando hace poco tiempo la vimos anunciada en televisión, exclamó emocionado que ésa era a la que tanto se refería, y decidí que debía verla.

La experiencia fue tal cual la esperada considerando la perspectiva de ese hombre cuya adolescencia transcurrió en los años 60s: es una película de época, 100% icónica y de ambiente tal que idealiza lo que la juventud tanto disfrutaba en esos momentos. El protagonista es un fotógrafo independiente que pasa la vida en una serie de excentricidades y humores extremos, sexo libre y vacío, amistades ocasionales y búsqueda insaciable de satisfacción artística y profesional. Todo en su vida es música y color, mujeres, encuadres y revelado (revelación). Los fotógrafos de cualquier época pueden encontrar mucho valor en el retrato que se hace a un extremo de su profesión por medio de este difícil personaje.

Interpretado por David Hemmings, Thomas representa una época por medio del peinado, el vestir, y hasta diría que la complexión física. Su afición es dejar las cosas a medias, brincar a su convertible y arrancar sin rumbo en búsqueda de emociones, comprar antigüedades, detenerse en parajes y fotografiar cualquier cosa, desde aves hasta gente que se vuelve sujeto de su arte sin saberlo.

En una ocasión, encuentra a una pareja en actitud curiosa, quizá coqueta, quizá violenta, algo ansiosa, y le encanta lo que ve, la incertidumbre de la escena, las incontables probabilidades de su significado y su fondo. Esta secuencia y sus ramificaciones fueron inspiradas por una historia corta de Julio Cortázar, titulada “Las babas del diablo”, donde el protagonista, fotógrafo, a veces narrador, a veces tercera persona, a veces representante de la ansiedad artística del ser humano, se ve envuelto en un momento que captura y del cual genera un grupo de interpretaciones que abarcan desde la nada hasta el todo, el universo entero en lo que capta la lente.

La mujer fotografiada es interpretada por Vanessa Redgrave, cuya especial belleza ilumina no sólo las imágenes sino la aburrida vida de Thomas, quien se ve encantado no sólo por lo que ha capturado, sino por la violenta reacción de ella, que le exige las imágenes de vuelta. A esto le sigue una investigación de Thomas de los retratos que ha tomado, una ampliación, de ahí el título, que lo lleva a desenmascarar algo mucho más serio y severo que lo apreciado a simple vista, algo que pudiera o no ser, y pudiera o no comprobarse.

El fondo es deshilado e incompleto, insatisfactorio y repleto de huecos, que hacen que la historia no sólo asemeje a la original de Cortázar, sino genere el interés revolucionario que la cinta produjo en su momento. (Esto, apoyado por una escena erótica que hoy en día no tiene gran cosa de especial.) Sin embargo, existe sustento que asegura que la historia era mucho más coherente y específica en guión que en el resultado final, lo que fue mermado por el excedente de presupuesto de Antonioni en su primera película de habla inglesa. No sabemos cómo hubiera sido de haber tenido una historia lineal y coherente como estaba planeado, pero así como está, que no quepa duda, es mucho más especial y enigmática que si ésta hubiera sido la intención.

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Review

An Officer and a Gentleman

Director

Taylor Hackford

Year

1982

Rating

Reviewed by

Gon Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Sunday, August 01, 2010

Recuerdo esta película principalmente por una parodia que le hacía un capítulo de “Los Simpson”, donde al final del episodio Marge llegaba a buscar a Homero a su trabajo, en contra de las expectativas de éste, salían triunfales y ella se ponía el casco de él. La música de fondo recordaba a la famosa canción “Up where we belong” y fue fácil rastrear a qué película hacían homenaje. En “Los Simpson”, al menos en las primeras temporadas, que fueron las que adoré, un gran porcentaje de escenas hacían referencia a películas clásicas, cosa que le daba un extra a mi experiencia al ver esa gran serie animada.

Pero tardé años en ver esa cinta. Había oído que en efecto la canción y la música eran lo más destacable, y de una vez anticipo que así es. La grandeza de la partitura de Jack Nitzsche agrega calidad a cada escena. Es música conmovedora, emocionante y apropiada, que adora las imágenes a las que acompaña y se encarga de ilustrarlas con gran belleza. Pero no habría nada qué admirar si el contenido fuera hueco. Lo que tiene, sin embargo, es que está impregnado de clichés, toda la historia lo es y sus elementos también lo son. Lo curioso es que no existe el menor esfuerzo en el guión de Douglas Day Stewart por evitarlo. Incluso pareciera que lo hace a propósito. Leí por ahí que algunos consideraron a la película un descarado refrito de las películas de romance en tiempos de guerra de Hollywood de los 50s, y yo diría: Si funciona, ¿por qué no?

Efectivamente, es entretenida. Los personajes tienen mucho corazón y mucha carne, y es fácil encariñarse. Durante casi todo el tiempo uno se pregunta si habrá más de fondo que lo que vemos, pero no. Sólo un personaje secundario, interpretado por David Keith, empieza a revelar una gran profundidad en su trasfondo, pero su drama funge como artificio dramático para la historia principal, que es simple por demás. Quizá esto ayuda a que se disfrute el romance entre los personajes principales. Al no pretender ser lo que no es, la película nos permite simplemente sentarnos a disfrutar y enamorarnos.

Ayuda mucho la selección de actores. Poca gente tiene más carisma que Richard Gere, que interpreta a Zack Mayo, estudiante de aviación que pronto echa el ojo a una chica local, Paula Pokrifki (Debra Winger). Los inicios de los 80s pertenecieron a Debra Winger y con justa razón: sus actuaciones eran naturales y encantadoras. De increíble seguridad en sí misma, Winger reía horriblemente y conseguía encantar al demostrar que no necesitaba fingir ser lo que no era. Su belleza era tan natural como su histrionismo. Uno juraría que Paula existe y es nuestro deber agradecérselo a esta gran actriz.

El drama consiste en que las mujeres del pueblo donde está la escuela de aviación no tienen más porvenir que como mano de obra en una fábrica. Históricamente, los estudiantes de aviación han llegado por oleadas a seducirlas, donde la mayoría de las chicas salen con el corazón roto, otro buen porcentaje embarazadas, y las menos, con propuestas matrimoniales y un futuro brillante. Paula y su amiga Lynette (Lisa Bluont) eligen a sus presas cada inicio de cursos. Es su estilo de vida.

Pero Paula no es una cualquiera. Ella ha visto el sufrimiento de su madre, que tuvo una mala experiencia con un antiguo estudiante, y no está dispuesta a sufrir ni hacer sufrir a nadie. Zack no es ni más ni menos que cualquier estudiante, con las mismas ambiciones profesionales y tan pocas ganas de establecer una relación romántica como cualquiera de sus compañeros. El romance entre ellos poco tiene de espectacular, pero contiene un cariño que se nota desde el principio. No hay muchas vueltas en lo que sucede, pero se disfruta. Quizá lo más relevante es el entrenamiento que ayuda a convertir a Zack en hombre. El entrenador es interpretado memorablemente por Louis Gossett Jr.

La cinta ha trascendido, y por lo que es, vale la pena verla. Al menos para entender esa escena clásica de “Los Simpson”.

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