Review
The King's Speech
- Director
- Tom Hooper
- Year
- 2010
- Rating
- Reviewed by
- Gon Curiel a.k.a. Groucho
- Review date
- Sunday, February 27, 2011
De esas bellezas eventuales, joyas que bien podrían pasar desapercibidas pero felizmente encuentran un público y llegan al más merecido de los triunfos,
The King’s Speech logró relevancia a pesar de ser una pequeña película inglesa de un tema más bien modesto: la dificultad verbal de un rey moderno y los problemas que esto le ocasionó como figura emblemática de su país.
El rey Jorge VI no es precisamente el más memorable de los monarcas británicos, pero constituye una figura importante al ser quien reinara durante la segunda guerra mundial y el padre de la actual reina, Isabel II. Sin embargo, poco importa al ver la película la prominencia histórica de su protagonista, es más, el hecho de que sea más bien poco famoso ayuda al drama, pues el tema no es tanto lo que él llegó a lograr como rey, sino su drama personal al estar obligado a fungir un rol de tal calibre y no contar con las plenas facultades para hacerlo como sus grandes predecesores.
Su padre, Jorge V (Michael Gambon), orador nato, cree en su hijo pero está decepcionado por su débil personalidad y desesperado por su tartamudeo. El hijo mayor, Edward (Guy Pearce), es un irresponsable dispuesto a dejar el trono para cumplir su capricho de casarse con una mujer aparentemente oportunista, por lo que el lugar queda en manos de Albert, luego Jorge VI, aquí interpretado por Colin Firth.
Firth ha demostrado durante años ser un actor de alto calibre, pero nunca se le vio en algo siquiera comparable a esto. No es solo el tartamudeo de su personaje, sino la frustración, la angustia, los traumas infantiles que se asoman de vez en vez, la inseguridad, la ira contenida, el miedo, la duda constante, el amor por su familia, y finalmente, la lucha por superarse. ¡Todo esto en un simple rostro fruncido! Es la actuación más valiente que he visto en mucho tiempo, un homenaje al guion claustrofóbico de David Seidler, apoyado por la fotografía igualmente hermética de Danny Cohen y la música tímida, casi oculta, de Alexandre Desplat. Elementos magistrales en su esfuerzo por no serlo.
En el papel clave del instructor vocal que ayuda con su problema al rey, Geoffrey Rush da vida a la película con un toque ligeramente cómico que contrasta a la seriedad del rey, quien nunca se rompe. En casa, la eventual reina, esposa del protagonista, interpretada por Helena Bonham Carter, conmueve con su fortaleza y apoyo incondicional al enigmático marido. Las demás actuaciones igualmente sorprenden pues los personajes están muy bien definidos.
Acaso hacia el final la cinta peque al apegarse tanto a la realidad, por un lado, y tan poco, por el otro. Sé que hubo cambios necesarios para el efecto dramático, pero no se llegó a un grado en que el final sea verdaderamente catártico. No es que quisiera un final exagerado o irreal, pero el discurso en sí resulta por demás anticlimático. Del otro lado del espectro, cosas como la inclusión del personaje de Winston Churchill (Timothy Spall) se sienten forzadas y distraen la atención. Increíblemente, Firth logra sacar a flote el drama todo el tiempo, se vuelve el centro del universo en torno al cual giran los demás personajes y elementos de la cinta. Este actor merece los mayores premios y me parece que los está recibiendo.
Me parece que el título tiene un doble sentido: “speech” como discurso y como habla o habilidad de hablar. En una época en que las películas suelen confundir grandeza con enormes efectos visuales o sonoros, se aplaude un pequeño drama con una voz tan gigantesca. ¡Bravo!
Gon C Curiel en Twitter |
CriticSociety en Twitter |
CriticSociety en FacebookShare on Facebook |
Share on Twitter
Permalink
Article
2010 en peliculas
- Posted by
- José Ruiloba a.k.a. Morris
- Article date
- Friday, February 25, 2011
¿Cómo definir 2010 en películas? Muchas personas le ponen etiquetas, "el año de las actrices" o "el año del drama", por ejemplo, y sin embargo eso significa reducirlo a un simple término, cuando el panorama es siempre rico en eclécticas opciones. Y heme aquí, cayendo en esa misma trampa al tratar de encontrar la temática que pueda introducir a una recapitulación de este tipo. Si bien las nominaciones de la Academia no deben ser tomadas como una definición literal de lo mejor del año, sí pueden ser referencia de lo que se ofreció, y al observarlas uno se puede dar cuenta que este año, el inicio de una nueva década, hay un claro contraste entre propuestas modernas, diferentes, avant-garde y opciones que parecen remitirse a una era pasada, clásica, convencional. ¿Qué predominará al final de cuentas? Probablemente un poco de todo, pero antes de aventurarme con predicciones echemos un vistazo al panorama…
Se ha hablado mucho de
The Social Network, de David Fincher, como una película que refleja a la generación actual, mostrando a jóvenes llenos de ambición, dispuestos a pasar por encima unos de otros, influenciados por avances tecnológicos que invitan al debate sobre si nos vuelven más impersonales o nos acercan más. La realidad es que es una película fría y que no está hecha para tocar fibras sensibles, pero al mismo tiempo magistralmente actuada, escrita, dirigida, musicalizada, con diferentes subtextos que han escapado a unos e impresionado a otros.
Una película que al iniciar la temporada de premiaciones parecía invencible, arrasando con absolutamente todo lo que se le ponía en su camino, incluyendo el difícil trío conformado por los críticos de Nueva York, Los Angeles y Estados Unidos como tal; esto sin mencionar su victoria en los tan polémicos Globos de Oro. Y sin embargo de repente pasó lo impensable, llegó el lugar de los sindicatos y estos empezaron a cambiar el curso, sí, de la historia, girando su atención hacia una pequeña película inglesa que había sido muy bien recibida por las audiencias y que cuenta con un ingrediente que no se debe menospreciar: corazón.
"The King’s Speech" fue dirigida por Tom Hooper, mejor conocido por su trabajo en televisión, sin un estilo vistoso o pretencioso. Basada en una historia real, con acentos ingleses, acerca de un personaje que sobrevive a la adversidad, que deja a quien la ve con una sonrisa en la cara, excelentemente actuada y con un poco de la Segunda Guerra Mundial incluido. En pocas palabras, una película mandada a hacer para el gusto de la Academia… en los 90s. Después de 4 años de elecciones fuera de lo tradicional y que se antojaron riesgosas y aplaudibles, he aquí una película que nos regresa a un tiempo que creímos había quedado atrás, pero que no por eso se debe menospreciar. Al final de cuentas es una joyita, pero tocará a cada quién decidir si en verdad debería ser o no considerada como lo mejor del año. Colin Firth, en su papel del Rey Jorge VI, realiza un impecable trabajo que le será coronado con el tan codiciado Óscar, y está acompañado de un excéntrico Geoffrey Rush que está a su altura en cada paso que da.
Siguiendo por la línea de películas de boxeo, pero con un toque más realista, se encuentra "The Fighter", del controversial director David O. Russell, y que tomó a su productor y estrella Mark Wahlberg años para concretar después de varios intentos fallidos en que cineastas como Darren Arronofsky y Brad Pitt coquetearon con el proyecto. Nada nuevo, pero llevando una historia real con impecable factura, que más allá del deporte se centra en una familia disfuncional y la dinámica que tienen. Con impresionantes actuaciones de Christian Bale, Melissa Leo y Amy Adams dándole color al sólido protagonista.
Después de ganar hace tan solo dos años, los hermanos Coen cambiaron drásticamente de giro (como acostumbran) para realizar
True Grit (2010), western basado en una popular novela que ya había sido llevada al cine anteriormente y que le ganó un Óscar al legendario John Wayne (
True Grit (1969)). Se audicionó a cientos de jovencitas para el papel protagónico, el cual quedó en manos de Hailee Steinfeld, una de las actrices más jóvenes en ser nominadas al premio de la Academia y que lo tiene más que merecido. Se trata de una película sólida, episódica, que sigue una delgada línea entre el drama, la aventura y la comedia, y nos entrega una historia americana bien contada.
Dando un giro de 180 grados el año se vio figurativamente sacudido con el arribo de
Black Swan, un intenso drama psicológico sobre una bailarina que pierde la noción de la realidad en su afán por alcanzar la perfección. Sin duda una de las películas más originales del año, con una impactante Natalie Portman, que deja huella en cualquiera que la vea, ya sea que la amen o la odien, pero la indiferencia no tiene cabida. El director Darren Aronofsky se supera y reinventa una vez más, lo que nos hace preguntarnos qué podrá traer a la mesa con su siguiente proyecto: la secuela sobre el popular personaje de Wolverine; y nos invita a agradecer a aquellos directores que todavía están dispuestos a arriesgar, y cuyas apuestas al final de cuentas consiguen dividendos.
Otro director que entra en esta categoría es Christopher Nolan, una vez más (polémicamente) ignorado por la Academia en el rubro de dirección, pero que continúa su sólida carrera y que en esta ocasión presenta un blockbuster con tintes de película de arte:
Inception. Una película arriesgada para todos los involucrados, al final de cuentas demostró que las historias originales también pueden atraer a un gran público y hacerlo pensar. Visualmente inolvidable, con ideas para reflexionar por días, un reparto que funcionó muy bien y una penetrante partitura influenciada por el "Je ne regrette rien" de Edith Piaf, la película al final de cuentas es todo Nolan, y los que salimos ganando somos nosotros.
Tenemos también el tradicional puesto para una película de los genios de Pixar, en este caso la secuela
Toy Story 3, que no solamente fue la película más taquillera del año en su país natal, sino una de las 7 películas en la historia que han cruzado la barrera del billón de dólares en todo el mundo. La incredulidad que se tenía se echó de lado al ver la película, un sentimental recuento de lo que significa crecer, dejar ir, continuar con el ciclo de la vida y, claro, pasar casi dos horas con personajes emblemáticos que son ya parte de la cultura popular. Una película que lo tiene todo y que seguramente se llevará el Óscar en la alterna categoría de animación, eso si un dragón que no se deja entrenar no se interpone en su camino…
Una película pequeña, pero con grandes aspiraciones, es "The Kids Are All Right", que cuenta la historia de una familia conformada por dos madres y sus dos hijos, los cuales buscan a su padre biológico y de esta manera él entra en las vidas de todos. Una película que ha sido aclamada, sorpresivamente, menos por su audacia en presentar una relación homosexual como su eje, y más por el retrato tan real y honesto de una familia americana como cualquier otra, con sus altas y bajas, y aderezada con situaciones que no son diferentes a las que millones de familias viven alrededor del mundo. La directora Lisa Cholodenko realiza su película más personal y se rodea de actores como Annette Bening, Julianne Moore y Mark Ruffalo, todos en excelente forma.
James Franco sin duda tuvo un año poco convencional, entre sus estudios universitarios, el libro de poemas que publicó, su próximo papel como anfitrión de la premiación de los Óscares (junto con Anne Hathaway, fabulosa este año en "Love & Other Drugs") y su propia nominación por el retrato de un hombre atrapado en la naturaleza que debe de tomar medidas extremas para poder sobrevivir en "127 Hours". En esta realiza el mejor trabajo de su carrera y afianza su estatus como uno de los actores jóvenes más multifacéticos y prometedores allá afuera.
Para completar la decena de películas que compiten por el premio más importante está la elección indie de este año, "Winter’s Bone", película estrenada en Sundance y con una actuación estelar de la recién conocida Jennifer Lawrence (próximamente apareciendo como Mystique en la próxima entrega de la saga X-Men). Se trata de una producción triste, fría, difícil, sobre una región de Estados Unidos plagada de pobreza y violencia, pero que sorprende con su realismo y el espíritu indomable de su protagonista.
Destacables producciones que no se encuentran en esta terna pero que sin duda vale la pena mencionar son "The Town", en la que Ben Affleck vuelve a trabajar detrás de la cámara y entrega una producción sólida que se convirtió en la película para adultos que había que ver durante el verano;
Biutiful, nominada como mejor película extranjera por México, y reconocida también por la inquietante interpretación de Javier Bardem como un hombre que no pierde la fe a pesar de toda la adversidad que lo rodea; "Blue Valentine", historia de amor que retrata el deterioro de una relación interpretada por Michelle Williams y Ryan Gosling; las maravillas técnicas logradas alrededor de la polémica
Alice in Wonderland de Tim Burton; "Tangled", la nueva entrega animada de Disney que volvió a recordar su época de oro de los 90s y que conquistó a propios y extraños; "The Ghost Writer", maravilloso y tenso thriller de Roman Polanski que se ubica entre sus mejores películas; y
Shutter Island, con un Martin Scorsese colaborando con Leonardo DiCaprio en un rompecabezas psicológico difícil de olvidar.
Y claro, no se debe dejar de lado las producciones más comerciales que Hollywood nos ofrece (
Hachiko: A Dog's Story, "Going the Distance", "Eat Pray Love",
Date Night, la penúltima entrega de la saga
Harry Potter), o aquellas películas extranjeras oscuras (
El Secreto de Sus Ojos, "Animal Kingdom"), que con suerte llegan a los cines. Al final de cuentas cine hay para todos los gustos, y no por eso tiene que ser mejor o peor. Mientras encuentres lo busques, te sorprendas con lo que te ofrecen, y vivas un rato agradable o inteligente… ¿qué más se puede pedir?
Comparto a continuación mis predicciones para la entrega del Óscar de este año:
Mejor Película: "The King’s Speech"
Mejor Director: David Fincher,
The Social Network
Mejor Actor: Colin Firth, "The King’s Speech"
Mejor Actriz: Natalie Portman,
Black Swan
Mejor Actor de Reparto: Christian Bale, "The Fighter"
Mejor Actriz de Reparto: Melissa Leo, "The Fighter"
Mejor Guión Original: "The King’s Speech"
Mejor Guión Adaptado:
The Social Network
Mejor Película Animada:
Toy Story 3
Mejor Película Extranjera: "In A Better World", Dinamarca
Mejor Documental: "Inside Job"
Mejor Dirección de Arte:
Alice in Wonderland
Mejor Fotografía:
True Grit (2010)
Mejor Vestuario:
Alice in Wonderland
Mejor Edición:
The Social Network
Mejor Música:
The Social Network
Mejor Canción: We Belong Together,
Toy Story 3
Mejor Maquillaje: "The Wolfman"
Mejor Efectos Visuales:
Inception
Mejor Mezcla de Sonido:
Inception
Mejor Edición de Sonido:
InceptionCriticSociety en Twitter |
CriticSociety en FacebookShare on Facebook |
Share on Twitter
Permalink
Review
True Grit
- Director
- Ethan Coen
- Joel Coen
- Year
- 2010
- Rating
- Reviewed by
- Gon Curiel a.k.a. Groucho
- Review date
- Friday, February 11, 2011
La primera versión cinematográfica de esta historia, basada en la novela de Charles Portis, le valió a John Wayne uno de sus papeles más laureados, mucho tiempo después de convertirse en un ícono del Western estadounidense. Solo por eso fue relevante, pues como película se consideró inferior al libro en que se basaba y en general poco memorable. (Ver
True Grit (1969).)
Más de 40 años después, vuelve
Temple de acero, ahora realizada por los hermanos Ethan y Joel Coen, quienes no parecen saber fallar. Me aseguré de ver la versión original antes para comparar, y en efecto, el equipo de escritores/directores dio al clavo en cuanto a las debilidades de aquella y se aseguró de evitarlas. Sin haber leído la novela, estoy seguro de que lo que aquella versión carecía era la riqueza interpersonal de los personajes, el desarrollo de su relación y el florecimiento individual de cada uno por medio de los demás.
Aparte de eso, y mucho más importante para efectos cinematográficos, faltaba solidez en la acción, apretar la tensión en momentos clave para mantener el interés y aumentar el efecto de los giros de la historia, que pueden ser tan intrigantes como irrelevantes, dependiendo de la forma en que se planteen. La versión de los hermanos Coen no perdona al villano Tom Chaney, al contrario, lo dibuja como un cobarde malhechor que cree que puede salirse con la suya y merece el peor castigo. La voz de una Mattie Ross adulta narra cómo a sus 14 años salió a cazar al asesino de su padre, rufián al que no conocemos durante media película, lo que lo convierte en lo que nuestra mente dicte. Por ende, el efecto de finalmente conocerlo, interpretado por Josh Brolin, provoca un fuerte escalofrío, sin importar lo aterrador que sea o no realmente.
La pequeña Mattie Ross es interpretada por Hailee Steinfeld, quien hace un trabajo colosal. La pequeña es perfecta en el inverosímil papel de una huérfana que se hace cargo de los negocios de su padre y embarca una sangrienta venganza contra quien le quitó la vida. El título acaso se refiera a ella o al justiciero al que contrata, el infame Rooster Cogburn, hombre cansado y bebedor, alguna vez temible, ahora implacable a pesar de sus claros defectos.
Se une a ellos un ranger tejano, LaBoeuf (Matt Damon), quien busca a Chaney por otras razones y se enemista con Mattie desde un principio, pese a tener objetivos similares. Al mediar sus diferencias, Cogburn genera un vínculo fuerte con la chica, y es ahí donde surge lo más interesante de la historia: el poder de la convivencia, la necesidad de abrirnos con quienes nos rodean y la importancia de escuchar a nuestros compañeros. Sin llegar al sentimentalismo, la trama permite a los tres personajes principales expandirse hasta donde ellos mismos permiten, y lo que Mattie y Rooster ofrecen es particularmente conmovedor.
Como Cogburn, Jeff Bridges crea otro de sus grandes personajes. No compite con John Wayne sino que reinterpreta al protagonista y le da su propia gracia y sabiduría, a la vez que sucumbe a sus grandes defectos. Es muy fácil encariñarse con este hombre de dura coraza que esconde un gran corazón lastimado. Sin dejar de cumplir su labor, Rooster vive la ilusión de tener una familia, de dejarse llevar por un cariño y de permitir que alguien le importe personalmente. A la vez que la cuadrilla está llena de diferencias, se convierten en una especie de familia, y sus conflictos nos involucran e intrigan en todo momento.
Escena tras escena, vemos la riqueza de los personajes o sentimos el estrés de la situación, o ambas. La fotografía de Roger Deakins le agrega dramatismo a cada toma. No sin momentos de buena risa, la cinta se enfoca en una venganza y nos deja asomarnos al interior de quienes la protagonizan, incluso los villanos, tales como Chaney o su nuevo aliado, Lucky Ned Pepper (Barry Pepper). Cuando conocemos a estos y el guion de los Coen nos los presentan como humanos agobiados y en cierta medida víctimas también de adversidades, nos dejan entrever que no hay héroes ni villanos, solo gente que vive como puede, aquí y en todo el mundo, ahora y siempre.
Quizá en su afán de contradecir las apariencias y así generar un jalón de tapete al espectador, los Coen desmienten lo tierno de la historia al enfatizar su crudo marco, donde Mattie, solterona, narra lo sucedido años después con una visión nostálgica pero sin negar la dureza de los años posteriores. Aunque el sello de sus realizadores es claro, y tan usual ya como las geniales partituras que Carter Burwell compone para ellos, el trago amargo deja un fuerte sabor de boca, arma de dos filos.
Gon C Curiel en Twitter |
CriticSociety en Twitter |
CriticSociety en FacebookShare on Facebook |
Share on Twitter
Permalink
Review
True Grit
- Director
- Henry Hathaway
- Year
- 1969
- Rating
- Reviewed by
- Gon Curiel a.k.a. Groucho
- Review date
- Thursday, February 10, 2011
No he leído la novela de Charles Portis, publicada en 1968, pero tengo entendido que es fantástica, atmosférica, burda y a la vez ligera, con toques de comedia, ternura e inocencia combinados con lo más agresivo y bajo de la naturaleza humana. No es considerada una obra maestra, pero fue lo suficientemente trascendental y exitosa en su momento como para hacerse película un año después, protagonizada por nadie menos que John Wayne, para entonces el mayor ícono estadounidense del cine Western, en un papel que ni mandado a hacer para su edad y apariencia.
Como Rooster Cogburn, Wayne no hace ni más ni menos que lo que siempre hizo: hablar con autoridad, perder el estilo al emborracharse, mandar a su cuadrilla con convicción y aterrorizar a sus enemigos con su titánica presencia y no mucho más. Por fortuna, el argumento de Portis, adaptado por Marguerite Roberts, lo dibuja cansado, gordo y torpe, falto ya de sus antiguas habilidades, en parte por culpa del ojo que perdió, lo cual convierte al justiciero en un triste vestigio de lo que fue, sin perder el temple de acero que da título a su historia.
¿O acaso se estará haciendo referencia al otro protagonista, también implacable y determinado pero sin la malicia de la experiencia o el desgaste de los años? Me refiero a Mattie Ross (Kim Darby), motor principal de la trama, muchacha adolescente que desea vengar la muerte de su padre en manos del cobarde Tom Chaney (Jeff Corey), quien se ha unido a otros forajidos en su huida y se encuentra, según él, a salvo en territorio indio.
La chica está determinada a contratar al mejor justiciero para perseguir a su enemigo y elige a Cogburn entre varios candidatos, pero al descubrirlo avejentado y ebrio, lo pone en cintura. Nada ni nadie puede detener a Mattie, ni siquiera La Boeuf (Glen Campbell), soldado tejano que busca a Chaney por otro crimen y quiere quitar de las manos de Mattie la añorada venganza.
En verdad no se sabe quién es el personaje principal, pues el de Mattie es absolutamente genial. En la mejor escena de la película, la chica negocia con un coronel interpretado por el infalible Strother Martin, donde su temple de acero se ilustra mejor que nunca, al aventajar absolutamente y en todos sentidos a un hombre mayor, que en principio la supuso inofensiva.
Otras buenas escenas incluyen a la banda de maleantes a quienes Chaney se ha unido, liderada por “Lucky” Ned Pepper, interpretado por el siempre genial Robert Duvall. Dennis Hopper también sorprende en un papel pequeño pero impresionante.
La historia se desarrolla de forma más o menos ligera, lo que en todo momento parece no ajustarse a la tensión que la trama exige. Incluso la banda sonora de Elmer Bernstein le queda grande a la poca emoción que a veces inspiran las escenas. La sólida actuación de Darby ayuda a mantener la acción a flote, pero en ocasiones la trama divaga. Muy pronto queda claro que la carne de la novela estaba en las relaciones entre los personajes, en sus conversaciones y confesiones, y el mutuo cariño que poco a poco adquieren, cosas que en pantalla apenas se asoman un poco y fallan en convencer al público, lo que claramente disminuye la tensión y el impacto dramático de lo que les sucede.
Rooster Cogburn es a John Wayne lo que Margo Channing de
All About Eve (1950) a Bette Davis, es decir, un personaje que ilustra a la perfección en lo que se ha convertido quien lo interpreta, lo que hace de su actor un valiente por acceder a realizarlo. Con esto, Wayne obtuvo la corona deseada, su único Oscar, entre otras cosas, y con justa razón. Si por algo esta película pasó a la historia, es por él, y qué bueno, porque vale la pena verla.
Gon C Curiel en Twitter |
CriticSociety en Twitter |
CriticSociety en FacebookShare on Facebook |
Share on Twitter
Permalink
Review
Black Swan
- Director
- Darren Aronofsky
- Year
- 2010
- Rating
- Reviewed by
- Gyn Yudico a.k.a. Gyn
- Review date
- Wednesday, February 09, 2011
Desde que vi el primer trabajo de Darren Aronofsky (
Pi (1998)) me sorprendió la enorme capacidad del director de crear todo tipo de ambientes y transmitirlos a la audiencia... Un asunto es saber contar una historia y otro es saberla llevar a su máxima expresión, lo que hace de Aronofsky uno de los directores más interesantes e influyentes en la actualidad.
Irónicamente, la esencia del espectáculo del cine es olvidar su naturaleza al ser absorbidos por la historia a tal grado que no exista más realidad circundante hasta el encendido de las luces. Encogernos en el asiento, olvidar masticar las palomitas, abrir la mandíbula sorprendidos. Eso es el espectáculo cinematográfico en su más pura expresión. Eso es lo que se logra con este filme.
Después de algunos destellos, (
Requiem for a Dream (2000),
The Fountain (2006)) Aronofsky resucita la carrera de Mickey Rourke con
The Wrestler (2008), obteniendo reconocimiento de la Academia con dos nominaciones. Un par de años después, en 2010, el mundo ve por primera vez
Cisne Negro, el quinto filme de este director.
Nina Sayers (Natalie Portman) es una bailarina de ballet cerca del éxito y con serios trastornos. Vive con su madre Erica (Barbara Hershey), ex bailarina frustrada que mantiene a su hija bajo un yugo sobreprotector. Nina baila en la ciudad de Nueva York en la famosa compañía que dirige Thomas Leroy (Vincent Cassel), hombre sumamente exigente y muy poco ortodoxo. La obra a montar y que puede catapultar a Nina al estrellato es una nueva adaptación d “El Lago de los Cisnes”. La presión que sufre Nina por hacerse del doble papel protagónico (Cisne Blanco y Cisne Negro) en competencia con Lily (Mina Kunis) y Beth Macintyre (Winona Ryder) la hará descender lenta e imperceptiblemente por una espiral sin retorno.
Natalie Portman se hace acreedora de un Globo de Oro y merecedora de su segunda nominación al Oscar como mejor actriz por su brillante y perturbador trabajo en
Black Swan. El cisne blanco y el cisne negro libran una batalla manifiesta durante los 108 minutos de este extraordinario filme, trabajo memorable en el aspecto técnico y emocional por parte de la joven actriz.
Cada detalle en
Black Swan es destacable, como el trabajo del cinefotógrafo de cabecera de Aronofsky, Matthew Libatique, quien usa la técnica de hand held imprimiendo un toque de belleza frenética. La banda sonora no se queda atrás, Clint Mansell acompaña a director y fotógrafo de manera magistral en la unificación total de esta historia.
El filme es impredecible, dramático y sumamente emocional. En mi humilde opinión, Darren Aronofsky, Clint Mansell y Natalie Portman nos entregan su mejor trabajo a la fecha. Este es un filme extraordinario que conjunta los mejores momentos en la corta pero impresionante carrera del joven director.
CriticSociety en Twitter |
CriticSociety en FacebookShare on Facebook |
Share on Twitter
Permalink
Review
Gonzo: The Life and Work of Dr. Hunter S. Thompson
- Director
- Alex Gibney
- Year
- 2008
- Rating
- Reviewed by
- Luis
Antonio Ayala Fuentes a.k.a. Laaf
- Review date
- Tuesday, February 08, 2011
Hoy hablaré de este documental que disfruté mucho, sobre el controversial periodista Hunter S Thompson, ahora considerado padre y creador del Periodismo Gonzo. Dirigido por Alex Gibney, el filme se estrenó en el 2008.
El extravagante personaje siempre destacó por hacer las cosas a su manera, era real, crudo, sin miedos, ataduras o prejuicios, con gran sed de experiencias y muchas ganas de vivir, pero conciente de su mortal forma de vida. No puedo omitir aspectos como su intenso y constante gusto por diversas drogas, haciendo de la psilocibina, las anfetaminas y el alcohol sus compañeros incondicionales de aventuras.
En el documental encontramos a Johnny Depp narrando la historia de su amigo Hunter, y qué mejor, pues él interpretó a Raoul Duke, uno de los pseudónimos del periodista, en la película
Fear and Loathing in Las Vegas, basada en el famoso libro de Thompson y categorizada dentro del género Mondo por su ficción estrafalaria con toques sorprendentes.
El sujeto documentado se muestra de manera paralela a una gran cantidad de material audiovisual de fotos y celuloide, un muy buen trabajo de edición. El nivel de interés aumenta conforme se nos sitúa dentro de un contexto histórico y político, y una vez adentro, comprendemos su perspectiva cultural y sus ideales y aceptamos y sobre todo valoramos su trabajo como informador.
Además de que a Thompson le tocó vivir una época de transformación total para su país y para el mundo, sus formas de pensar y de llevar la vida parecían un poco fuera de lugar. Vivir al límite y empujar hacia los excesos, más temprano que tarde dejaron huella en su existencia y marcaron el rumbo de lo que sería su futuro. Sentía una afición por las armas, y en honor a eso y a su inagotable cabeza dando vueltas, decidió quitarse la vida disparando una porción de plomo al interior de su cráneo.
"Era un reportero con mucha imaginación." - Tom Wolfe.
Su redacción y estilo literario sobresalieron de lo cotidiano, no tenía miedo de expresarse como fuera, aun si sus maneras para comunicarse resultaran un tanto exóticas. Realizó extraordinarias coberturas en temas de política, que lo llevaron a participar y profesar su visión política muy particular. Su fuerte espíritu de patriotismo y sus sólidos ideales fueron enmarcando los ámbitos de la vida social y mediática en que participó, por la cual luego sería absorbido, ya que después de sus varias publicaciones y su historial "mediático" pasó a ser un personaje público del que muchos estaban al pendiente. Así inició su legión de seguidores.
El documental contiene excelente material gráfico sobre el "artista", ya que el dibujante Ralph Steadman se convirtió en su amigo y compañero de "viajes" y fue documentando sus experiencias en una cronología ilustrativa. También existe material auditivo, ya que como costumbre y como reportero profesional, Hunter solía utilizar grabadoras de voz para las anotaciones/observaciones de sus reportajes.
Acompañando a toda esta información, la banda sonora va de la mano con la época y el contenido de la cinta: Bob Dylan, The Rolling Stones, Elton John, Lou Reed, y hasta una muy certera Janis Joplin con un “Piece of my Heart”. Para más referencias históricas aparecen imágenes de archivo de gente como Richard Nixon, George W. Bush, Martin Luther King, Osama Bin Laden, entre muchos otros.
En mi opinión personal, fuera de sus controversiales temas y su forma de hacer reportajes, Hunter S. Thompson fue un personaje que trascendió en la cultura pop y en la historia de su país, donde lejos de (o aparte de) llamar la atención, logró transmitir las ideas que quería, generando criterios y conciencia en quien se acercara a él. Tuvo el valor para ser fiel a sus ideas y consagrarse como único y libre.
Ver también:
Breakfast with Hunter (2003)
La Choza de Laaf (blog)CriticSociety en Twitter |
CriticSociety en FacebookShare on Facebook |
Share on Twitter
Permalink
Review
Hereafter
- Director
- Clint Eastwood
- Year
- 2010
- Rating
- Reviewed by
- Gyn Yudico a.k.a. Gyn
- Review date
- Thursday, February 03, 2011
Hereafter o
Más allá de la vida narra tres historias que orbitan un tema común: La vida después de la muerte.
Por un lado está Marie LeLay (Cécile De France) periodista francesa que durante sus vacaciones en Indonesia es víctima del tsunami de 2004, es arrastrada por las aguas tierra adentro, perdiendo la conciencia, finalmente se hunde irremediablemente en las aguas del tsunami.
Está a punto de ahogarse y tiene una visión, la llamada "Experiencia cercana a la muerte". En el último momento es rescatada, sin embargo esa visión cambia su vida para siempre. Regresa a su habitual trabajo, obsesionada por escribir un libro sobre la vida después de la muerte, lo que le ocasiona problemas laborales que la llevan a buscar otras alternativas, inmiscuyéndose en el tema más y más profundamente.
Por otro lado está Jason (Frankie/George McLaren) quien ha sido enviado con una familia sustituta por trabajadores sociales mientras su madre Jackie (Lindsay Marshall) busca resolver sus problemas de drogadicción. Jason lucha infructuosamente con una reciente pérdida y busca respuesta a través de distintos medios, topándose con charlatanes que lo desilusionan en su búsqueda por contactar con su ser querido.
Finalmente, George Lonegan (Matt Damon) es un solitario que después de una grave enfermedad en su infancia contrajo extraños poderes psíquicos que le permiten conectarse con gente que ha muerto. Ahora ha decidido alejarse de esta forma de vida, ya que considera que su don es también una maldición al resultarle imposible establecer una relación normal. Vive anonimamente trabajando en una fábrica, hasta que un recorte de personal lo obliga a buscar trabajo, circunstancia que su hermano aprovecha instándolo a retomar el negocio de la consulta psíquica, negocio económicamente redituable. Confundido, George decide hacer caso a su hermano pero luego se marcha, dejando el negocio varado.
A través de estos tres personajes y sus motivaciones, Clint Eastwood nos muestra varios puntos de vista respecto a la vida después de la muerte. La lucha de estos personajes por encontrar sentido a sus vidas nos llevará por caminos que confluirán para lograr sus metas y completar su curva dramática de manera inesperada y sorpresiva.
Clint Eastwood dirige esta historia escrita por Peter Morgan, de manera inteligente y propositiva. Es el caso opuesto al de
You will meet a tall dark stranger, pues en este caso, el director toma riesgos y cuenta una historia diferente, no se casa con una fórmula sino que busca la frescura a través de nuevos retos temáticos, narrativos y estructurales.
Sin embargo, la película tiene algunos baches que la hacen durar más de lo necesario. Son claras las intenciones de estas escenas, pero llegan a redundar en lo ya entendido, creando expectativas en la audiencia que nunca se cumplen y generan la sensación de ver una obra incompleta, incluso intrascendental.
Esa es la falla más grave del filme, sin embargo se agradece a un gran director como Clint Eastwood la frescura, la gran dirección de actores y la constancia al entregar un producto de calidad al tiempo que nos sorprende con su acercamiento a una nueva historia.
CriticSociety en Twitter |
CriticSociety en FacebookShare on Facebook |
Share on Twitter
Permalink
PP wrote at 3/2/2011 8:18:59 PM:
Irais wrote at 1/17/2012 9:30:16 AM:
I rceokn you are quite dead on with that.