CriticSociety- film reviews

Review

Inception

Director

Christopher Nolan

Year

2010

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Wednesday, July 28, 2010

Inception es el evento que había estado esperando desde hace muchos años. No porque tuviera la menor idea de su existencia, de la cual me enteré hace apenas un par de semanas, sino por ser una de esas películas que se tiene el privilegio de ver en la gran pantalla cuando todavía no se sabe si será recordada con los años, mucho menos si se le considerará un clásico, y sin embargo, cuando el tiempo ha pasado, y le ha hecho justicia, se recuerda con orgullo el atestiguamiento de una de sus primeras proyecciones. No me cabe duda de que será el caso, porque ésta es la película ideal para este momento de la historia, la película perfectamente moderna, con elementos justos para complacer al público joven, profundidad abismal para satisfacer al más conservador, e imaginación de sobra para los clientes más difíciles.

Salí conforme pero también disgustado. ¿Cómo era posible que tan genial historia fuera presentada en un escenario tan exageradamente bélico, lleno de balaceras innecesarias? Mi instinto, al que a veces llamo “el anciano que llevo dentro”, me decía que Christopher Nolan se preocupó demasiado por quienes no encuentran más placer en una pantalla que el que le producen los videojuegos y las películas de acción. Supongo que es verdad, en parte. Infinidad de espectadores ya no toleran una escena de drama humano, que no presente acción o violencia a un ritmo imparable. Sin embargo, lo verdaderamente reprobable es que una escena de película contenga violencia por violencia o acción por acción y que durante varios minutos no progrese la historia. Tuve que reflexionar al respecto para comprender que en Inception no hay un instante en que no avance la trama o crezca la tensión. De hecho, muchas veces se usa la acción como artificio para exponer planteamientos sin aburrir. Además, los escenarios elegidos por Nolan, si bien asemejan niveles de videojuegos, son válidos por tratarse de lo que se trata la película, donde la mente del autor es libre de generar sus propias escenografías, y una mente actual, apegada al entretenimiento más contemporáneo, bien podría recurrir a ese tipo de escenarios. Yo lo he hecho, en mi mente, al dormir.

Reconciliado con lo cual, hallé que la trama no existe sólo en lo hablado, que la sustancia está en todo, que cada momento es vital. Asimismo, descubrí que cada personaje es clave. Había recabado que algunos sobraban, que se podía conseguir lo mismo con uno, dos o incluso tres menos, pero al ver de cerca el papel que cada uno interpreta, el trabajo que realiza en la misión, deduje que eso es imposible, e incluso, llené los huecos psicológicos de los caracteres menos explorados y los encontré perfectos para lo que son. En realidad, no podían ni debían ser mucho más, o hubieran salido de su papel. Hubieran salido de su utilidad en la historia, desde el punto de vista que interesa: el del protagonista.

Poco importan, en realidad, los escenarios, los personajes, o la historia misma, en una película que no pretende ser lo que parece, sino mucho más; una tesis, un ensayo, una metáfora de sí misma, una metapelícula. Es, a mis ojos, y me costó muchas horas de reflexión concluirlo, de la estirpe de Adaptation. (2002) y Mulholland Dr. (2001), pero más accesible que ambas, pues da la opción de ser interpretada sólo como lo que se ve, y no como lo que realmente es, si es que alguien, incluso su realizador, conoce su real naturaleza.

Entrando en el terreno de contar algo de la historia, aunque, como siempre, me cuide de no hacerlo en demasía, hablaré de lo que trata. Ésta es una película sobre los sueños. Se plantea que existe tecnología para penetrarlos y extraer ideas, tecnología que ha generado un variadísimo mercado que va desde crearlos hasta robar información de ellos. En el último género está Dom Cobb (Leonardo DiCaprio), prófugo de la justicia de Estados Unidos que encuentra la oportunidad de salir de sus problemas si ayuda a un magnate (Ken Watanabe) a hacer lo contrario de lo que hace usualmente: originar una idea en un sueño. Con un equipo de profesionales, que incluye a su socio (Joseph Gordon-Levitt), una arquitecta (Ellen Page), un técnico (Dileep Rao) y un falsificador (Tom Hardy), Cobb se dispone a convencer inconscientemente a un millonario heredero (Cillian Murphy) de actuar en contra de la voluntad de su difunto padre.

La aventura es espectacular, y dedica tanto tiempo a la acción como a la exploración de la mente de Cobb, quien, atormentado por la muerte de su esposa (Marion Cotillard), ha permitido que la instancia inconsciente de ella aparezca en sus misiones y las ponga en peligro. DiCaprio, Page y Cotillard sobresalen al protagonizar las escenas de mayor impacto personal.

Existen varias líneas de realidad, dimensionales y dramáticas. Sin darnos cuenta, nos sumergimos en recuerdos y recreaciones a la vez que la acción avanza. La única constante es la música de Hans Zimmer, que consiste mayormente en rítmicas fluctuaciones que estresan al acompañar el procedimiento. Otra pieza musical, crucial en la historia, es la famosa canción de Édith Piaf, “Non, Je Ne Regrette Rien”, que he escuchado desde niño y ha cambiado de significado para mí incontables veces a lo largo de mi vida.
La narrativa entonces consiste en sueños compartidos y manipulados, arquitectura del inconsciente, defensa propia de la mente, lógica retorcida, recuerdos invasores, todo desde diferentes puntos de vista, a diferentes niveles, con algunas reglas que fácilmente se doblan o se rompen, pero con claridad suficiente para permitir que el espectador, sin que lo note, se ocupe de la historia más que de sus tecnicismos, hasta darse cuenta de que muy poco ha sido explicado, y ese poco es irrelevante, pues los personajes, y en particular Cobb, nos llevan de la mano a su antojo, como si decidieran por nosotros, como si lo que vemos, lo que vivimos a su lado, fuera su sueño.

Ya circulan interpretaciones que insinúan que el guión de Christopher Nolan es una metáfora del proceso creativo, o más aún, de su labor como realizador cinematográfico, lo que me parece fascinante, pues cada personaje representaría una pieza clave del equipo que trabaja en una película. Otras proponen que absolutamente todo lo que vemos es un sueño, lo que resulta irresistible si se considera que incluso lo que creíamos real podría no serlo, y no lo es, de hecho, al tratarse de una pieza de ficción. Incluso el final deja abierta la incógnita en ese respecto, aunque su alcance, qué tanto abarca la irresolución, sea discutible. Poco importa. Lo relevante es que una película enteramente innovadora ha resultado revolucionaria, y reafirmar con ello que aún hay mucho por explorar en narrativa y en cine, y que esos momentos invaluables, en que se ve nacer un clásico, pueden experimentarse todavía.

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Review

Stalag 17

Director

Billy Wilder

Year

1953

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Monday, July 26, 2010

Decir grandes cosas de Billy Wilder es el segundo cliché más grande en su categoría después de decirlas sobre Alfred Hitchcock, pero da igual: Qué grande era ese cineasta austriaco, fascinante su comprensión de la cultura estadounidense, admirable su humildad para asociarse con escritores que ayudaran a la naturalidad de sus diálogos, y genial su variedad de géneros. Es quizá el director de Hollywood que más géneros exploró, de hecho, y en cada uno realizó obras maestras. Stalag 17 es la primera gran película sobre prisioneros de guerra, que no sólo es una película de guerra, sino también un drama y una comedia negra.

Basado en la obra de Broadway de Donald Bevan y Edmund Trzcinski, antiguos prisioneros de guerra, Wilder y Edwin Blum escribieron un guión que retrata lo ocurrido básicamente en un barracón, donde militares estadounidenses planean la escapatoria de dos de ellos, que son prontamente descubiertos y asesinados por los Nazis en su intento. Debido a la cuidadosa planeación del acto, los prisioneros sospechan que entre ellos hay un espía que se hace pasar por aliado y es en realidad un traidor.

El único sospechoso viable, debido a su actitud cínica y despreocupada, es el Sargento Sefton, oportunista que intenta vivir la vida con la mayor calidad posible en el campo de concentración, organiza apuestas, trafica privilegios y obtiene beneficios de sus captores. Su reacción despreocupada, aunada a sus apuestos en contra del éxito de los fugitivos, confirma las sospechas de sus compañeros, que lo desprecian y castigan al sentirse traicionados.

Sin embargo, Sefton se sabe inocente, y empieza a observar muy de cerca a sus compañeros. Interpretado por el gran William Holden, este personaje es de un cinismo exquisito, su falta de escrúpulos ilustrada en cada una de sus acciones, sin ocultar, que sepamos, sensibilidad alguna. Lo que sí tiene, sin embargo, es un gran honor, y un gran orgullo, que no le dejarán ser derrotado. Sefton es fascinante en que a pesar de ser un cautivo, no se deja vencer, no permite que se le quebrante, y sigue disfrutando de la libertad, por más mínima, y encontrándola en cada recoveco. Cuando la adversidad lo obstaculiza, lejos de sentirse derrotado, encuentra un nuevo reto y lucha no sólo por esclarecer su nombre, sino por sacar provecho de ello.

Lo sucedido es interesantísimo. De pronto, la película se convierte en un misterio donde cualquier personaje puede ser culpable. Al involucrarnos en este enigma, se nos presenta a un grupo de caracteres variados que narran diferentes eventos de la guerra que los atañe. Los intérpretes más notables son Robert Strauss y Harvey Lembeck, en papeles más o menos cómicos que realizaron desde el escenario de Broadway. También vemos a un joven Peter Graves, famoso años después por su papel de Jim Phelps en la serie televisiva de “Mission: Impossible", como el encargado de seguridad del barracón. Del otro lado, el de los Nazis, encontramos al director austriaco Otto Preminger como el atroz comandante del campo de concentración, y a Sig Ruman como el cuidador Nazi del barracón, que pese a su bando, se relaciona bien con los prisioneros.

El placer está en cada palabra y cada escena. Se intercambian diálogos interesantes, cómicos y trágicos sin discriminación. Cada que Sefton interviene, la historia avanza, pero en general se crea un retrato de ese momento histórico tan impactante, desde un punto de vista poco explorado, el de los prisioneros de guerra. El final es perfecto. La película también.

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Review

The Karate Kid

Director

Harald Zwart

Year

2010

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Thursday, July 22, 2010

Nada nunca va a competir contra la belleza del Sr. Miyagi enseñando karate a Daniel San, y cómo éste pasó de flacucho y bueno para nada a un verdadero amante de las artes marciales y de la cultura japonesa que los inspiró. Momentos como Daniel atrapando la mosca con los palillos, el Sr. Miyagi explicando por qué encerar el auto o pintar la casa son disciplinas importantes, o la gran y triunfal patada final, tanto en la práctica como en el momento crítico de la batalla climática, jamás podrán ser igualados por una versión subsiguiente.

Teniendo eso en cuenta, la nueva versión no es mala. Es la misma línea, en general, aunque actualizada y modificada en algunos aspectos: ahora la acción transcurre en China y el arte marcial que se practica es el kung fu. Que la película conserve en su título la palabra “Karate” es absolutamente absurdo e imperdonable, digno de escarnio y algo que estorba a la experiencia. No diré más al respecto.

Jaden Smith encarna al protagonista, Dre, de 12 años, que ve su vida cambiar de arriba abajo cuando su madre y él se mudan a China por el trabajo de ella. (Jocosamente, no pude sacarme de la cabeza que fue también una drástica mudanza, aunque de Filadelfia a Bel Air, la que hizo famoso al padre de la vida real del niño, Will Smith.)

Ahí, sin hablar el idioma ni conocer absolutamente nada de la cultura de su nuevo país, el niño encuentra sólo una cosa que hacer: meterse en problemas con los abusones del barrio, el líder de los cuales se encela cuando el chico nuevo platica con una linda violinista (Wenwen Han). Los niños son aprendices de kung fu y no tienen problema en acabar con Dre, quien, pese a todo, sigue acercándosele a la niña que le gustó y consiguiendo más problemas.

Las cosas llegan a un límite insoportable cuando los niños golpean sin parar a Dre, momento en que aparece un defensor inesperado: el Sr. Han, hombre de mantenimiento del edificio en que vive el norteamericano. La sorpresa es para todos menos para el público, pues el que lo interpreta es Jackie Chan. Hay que admitir que Chan hace un buen trabajo, pues al interpretar al Sr. Han, quizá preocupado por la competencia invisible de Pat Morita, el original Sr. Miyagi, se esfuerza por acentuar la atroz melancolía de su personaje, fantasmas del pasado que no lo dejan respirar.

El resto es predecible: Han acepta entrenar a Dre para combatir a los chicos, quienes lo dejan en paz a cambio de enfrentarlo en un torneo oficial de kung fu. Dre no aprende una palabra de chino, pero es capaz de dominar movimientos de kung fu que se le hubieran dificultado a Bruce Lee. Asimismo, encuentra en su proceso tiempo suficiente para acercársele a la chica que ocasionó todo, cuyos padres, eventualmente, como buenos personajes asiáticos en película norteamericana, se interponen a su relación.

Todo es fórmula y nada está fuera de lugar, lo que significa que no hay espacio para la emoción. Encuentro acaso dos elementos que rescatan al filme como entrada decente de verano: las actuaciones de los protagonistas. Chan, como ya dije, encuentra un extraño escenario para elevar su histrionismo, si bien se excede un tanto. Smith, en cambio, apantalla con su carisma y su esfuerzo físico. Auguro un gran futuro para ese joven heredero de Hollywood.

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Review

El Secreto de Sus Ojos

Director

Juan José Campanella

Year

2009

Rating

Reviewed by

Gon C Curiel a.k.a. Groucho

Review date

Wednesday, July 14, 2010

Del autor y director de la increíble El Hijo de la Novia (2001) obtenemos ahora esta nueva cinta argentina de no menos enredada narrativa aunque con resultados desiguales. Lo que en la antes mencionada fue una amalgama genial de géneros y líneas dramáticas, aquí es un conjunto más bien confuso de tiempos y tramas hiladas por una obsesión que no siempre es tema principal ni de mayor interés que lo demás.

El protagonista es Ricardo Darín como Benjamín Esposito, agente federal retirado que remembra uno de sus casos más impactantes y decide novelizarlo. El caso es el de violación y homicidio de una mujer joven en Buenos Aires, cuyo marido no tiene la menor idea de quién pudo haber sido el culpable. El efecto de la investigación tiene secuelas determinantes en la vida de Esposito, no sólo psicológicas sino en los planos romántico y geográfico también. El porqué se va contando a manera de flashback mientras Esposito visita a su antigua compañera, Irene (Soledad Villamil), quien también estuvo muy involucrada en el caso y en la experiencia personal de Esposito.

Aunque la búsqueda del culpable, ocurrida en los años 70s, resulte apasionante, poco se siente de emoción cuando se narra a través de recuerdos de gente que, por más afectada, se encuentra tranquila al respecto. No pareciera que la obsesión perdurara en Esposito o Irene, lo que hace pensar que todo se resolvió de manera más o menos satisfactoria. Sin embargo, al no parecer así durante las escenas de retrospectiva, son éstas las más apasionantes, por medio del joven marido de la mujer asesinada, interpretado por Pablo Rago, y un antiguo amigo de ella, al que personifica Javier Godino. Asimismo, en un corte cómico y después vital para el efecto dramático, Guillermo Francella actúa como el compañero de Esposito, alcohólico autodestructivo de gran corazón.

Mientras se desenreda lo sucedido, comprendemos que gran parte de lo que afecta al Esposito moderno es la gran insatisfacción de su propia vida al haber abandonado su hogar a causa de la misma investigación. Entendemos que su vínculo con Irene y con los demás involucrados le ha resultado indeleble y de mal sabor de boca. Vemos también que su tendencia por adquirir obsesiones de problemas ajenos lo atormenta. Sin embargo, este entendimiento nos llega tarde, y es ahí cuando empezamos a encariñarnos con Esposito e Irene modernos, hasta entonces fríos e ilegibles. Por cierto, el proceso de rejuvenecimiento y envejecimiento de los actores, tanto de maquillaje como histriónico, es impecable.

La gran intensidad del drama que se nos presenta es mermada medianamente por una tendencia episódica. En varias ocasiones, pareciera que todo ha terminado, e incluso cuando estamos seguros, ahora sí, de que éste es el caso, volvemos a equivocarnos. No criticaría esto tan fuertemente si no fuera porque la historia tiene alta tensión, lo que es bueno. El final es memorable y en verdad traumático, tanto así que impulsa a olvidar las mermas dramáticas de lo anterior. Con todo, es una cinta que debe verse, ciertamente experimental pero de muchos elementos interesantes, y sobre todo, de gran valentía narrativa. La música que acompaña, compuesta por Federico Jusid y Emilio Kauderer, recuerda algunos conciertos para piano y orquesta de Chopin y es exquisita.

Si la compañía con quien se ve una película influyera en su calificación, daría a ésta la máxima sin pensarlo. ¡Gran rato!

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